充滿詩意的展場：陳瑞憲x董陽孜

走進展場，聽著刻意配音的滴答雨聲，映入眼簾的一排觀眾，坐在墨池前大筆的揮毫著，是誰的作品如此有詩意?
讓我想起古代的王羲之，墨池前一缸子的水，看著陳瑞憲的作品說明：
「…靈感即是來自「吾兒磨盡三缸水，惟有一點似羲之」的歷史典故；在書法式微的當代，他刻意讓時光逆轉，將展場轉化為一種私塾／自學的空間，讓我們彷彿回到了書藝普及的古代。」
營造出的情境與氛圍，其實，才是最令人嘆為觀止的地方吧!這個展場，別具詩意，值得一看。

陳瑞憲作品簡介：
作品：私塾 習 空間裝置 墨池、墨雨、紙
東晉王羲之「臨池學書，池水盡黑」的苦學精神，造就其「書聖」的歷史地位；王獻之從小跟隨父親習字，發奮寫完18缸水後，自恃書藝已超前無敵，焉知在母親眼中，竟然還比不過父親隨手展露的「一點」功力。
陳瑞憲的〈私塾－習〉，靈感即是來自「吾兒磨盡三缸水，惟有一點似羲之」的歷史典故；在書法式微的當代，他刻意讓時光逆轉，將展場轉化為一種私塾／自學的空間，讓我們彷彿回到了書藝普及的古代。
洗鍊簡約的展場設計，突顯陳瑞憲低限的美學風格；光線與明暗的掩映錯落，營造了靜謐而詩意的空間氛圍，陳瑞憲在這個黑暗展場中置入一片超大墨池，讓觀眾伴著不時從天滴落的墨雨聲，和滿場飄逸的墨香味，在歷史的微光中臨池學書；從筆墨的運轉過程裡，思想古人，也照見自我。
這個空間藉由召喚觀眾的多重感知，試圖融合書法的表現性、符號的指示說明性，和空間的自明性，一方面指向個人的藝術修習，另一方面，也導向集體的文化課業。

【展覽】許雨仁-身體裡有朵花在開

初春的早上，天氣和煦，去了一趟家畫廊，看許雨仁與張金蓮雙個展。
聽說他們是一對可愛的夫婦，許雨仁在花蓮有一個工作室，張金蓮是一位勤奮而熱愛教學的美術老師。
聽說，許雨仁的畫，很多時候，與外婆有關，小時候，被關在家裡的房間，幽暗的房間裡看到祖母的背影，令人聯想到他2007年一系列的畫作中，稀稀疏疏的線條…
『身體裡有朵花在開』，因為看了這個展覽主題而去，一個藝術家，該如何過生活，以支援他的理想及創作，這樣樸實而簡單的生活態度，著實另人嚮往不已。

家畫廊負責人-王賜勇，收藏作品藝術的眼光，也令人相當佩服…
相關連結:藝術收藏老頑童
http://blog.yam.com/jiaart1990/article/19776172

【展覽】『各搞各的』展覽驚選集!

策展人:顧振清
展覽地點:台北當代藝術館
展期:2009/2-14-4/12
老實說，對於這次當代館的展覽，失望多於驚喜，基本上，創作者各自探討的觀點很多，很符合展覽主題與能量，但是，普遍作品太淺顯易懂，做的太表面，沒有一些讓人聯想而各自發想的空間，太過流於白話，導致，當看到樓下的洪素珍的裝置作品『樹是有血管的』時，反而，感受到一股清新的氣息。
不過，仍有幾件作品，值得去好好探究去討論一番，感謝偉傑非常職業的舉出許多技術上精進的問題與解決方式，另外，我們對於彭弘智的作品所帶來的樂趣，也有志一同的對作品的巧思深深佩服!

1.我說前面呢..後面呢..那主旋律?-曾御欽
喜歡他的這件彷彿窺看的作品，作品的聲響搭配著錄像作品，不討人厭也不刺耳，反覆低喃著同樣的回音，影片內容彷彿是從孔中窺看生活場景，遊移著，跟他之前在依通公園的作品有異曲同工之妙。
前者是如小朋友在玩躲迷藏般藏在某個小角落看出去，後者則顯現出小朋友躲迷藏的場景，雖視覺效果相呼應，但是，表現的主題卻大不相同。我很認同，這次，曾御欽用這樣的手法，在表現對於自我內心創作路途的迷惘，對於未來的迷惘，深深的打動著我的心…

2.眼淚-提姆˙烏爾瑞赫
這件作品讓我聯想到蘇育賢的作品，但是相對來講，蘇表現的視覺效果較為強烈些，這算是一件『極詩性』(只要需要透過一再解釋的，本人統稱為詩性)的作品，用眼淚來表達他對於藝術的看法，充滿紅色或藍色的眼淚，就像藝術表現的方式，眼淚，是人體機關一種情緒的表達宣洩的方式，但是，就這樣的連結，對他而言，所謂的藝術，到底是什麼? 如果，如他的創作理念所言，『不需將藝術層面與現實割裂開來，整體藝術…是對世界的感受從麻木且混亂的日常生活中解放出來…』那麼，眼淚所象徵的，是不是就像藝術也是人類經過轉化、情感流露的排泄物般的價值?
我想，如果提姆想表達的就是這樣的觀點，我，勉強接受…

3.一個遙控，兩個飛機-葛非+林瑊
藝術家用同一個遙控器卻需同時掌握兩架飛機，遙控器的設定一樣，但是，他們飛行的里程不同，創作手法很有趣，但是，探究的議題不夠深入，會讓人有一種『And Then..?』，不過，若是試玩遙控飛機可以有助於更了解作品，是一個不錯的教育方式。


4.范迪˙阿尼瑪與阿尼姆斯-苑媛
這件作品的表現方式，利用拍立得與油畫作品的連結，使我們在觀賞作品時，須從一張張如拍立得大小的圖片中，找出藝術家想訴說的主題及意義。其實，一件件看似簡單的生活場景，若藝術家想表現的即為在生活中所有拼拼湊湊的瑣事就生活的全部，相信對於這樣的創作表現方式，都會心有戚戚焉而更容易探討。
只可惜，藝術家要表現的完全不是這樣的想法，更甚者，他想表達的，是探討目前時下所流行的關於『中性』這樣的議題，那麼創作型式似乎有點大費周章…

5.洪素珍 樹是有血管的 觀後感
一根根有如血脈的紅線，穿針引線的並置在展場，靜靜的，橫跨於兩個展場之間，好久沒有看到有趣的裝置了，探討的議題跟生態環境環保再生有關，用一種很樸實的方式(比起現在動不動就是聲光效果的藝術作品來說) ，藝術家洪素珍，一位長年旅居美國的藝術家，在美國他也曾製作過2件公共藝術品«WATER Spells» 、Self-portrait in Rock，是一位作品充滿”詩性”的藝術家。

洪素珍作品集:
http://www.suchenhung.com/gallery/

【展覽】熱黑 Fever Dark:曾御欽個展

展期:2/21日止
地點: 伊通公園(伊通街41-1號2樓)

“當然不見得每件作品都一定要讓別人真正瞭解，但我覺得那至少跟我有關係，那樣的連結才是真實的，每件作品都可以變成我個人戀物癖式的私人珍藏，不管時間過多久，我都可以如數家珍的跟你說那是什麼，這才是真正的創作…”

曾御欽，這名字從2004年的台北美術獎作品『有誰聽見了』起就讓我魂遷夣縈，猶記得『潑牛奶』的那件作品，雖然看了如詩般的創作自述後對於作品仍然懵懵懂懂，但是，作品的確是令人印象深刻的。也許，是因為潑牛奶關係吧?!
之後，他曾經在某次的藝術節聯展中在台北保安宮附近的派出所展出另一件有四個小房間但是都只開了一個小縫能看到各個片段的作品『做了什麼』(what has been done)，裡面據說演出的人員是藝術家的父母，讓我對於這位藝術家的勇氣及做作品的毅力相當佩服。
今天，如朝聖般的到伊通公園看他的新作。如同超級Fans般。期待著又會有什麼樣的錄像裝置呢?
很意外的，這次他沒有使用錄像媒材，這次，他也沒有潑牛奶了，這次，他開始規規矩矩的寫著創作自述，敘述著，他不喜歡的紐約駐村生活(這讓我相當意外，因為，我以為紐約駐村一定會相當有趣) ，作品在在影射著紐約的交際應酬讓他感到害怕，煩擾而忙碌的藝術圈生活讓他不由自主的躲在自己的房間裡，更封閉的存在自我對話的世界中。
這樣一個內顯而心思極細密的藝術家，選擇了一個他不擅長的創作方式，必須經由溝通協調找到適合的小朋友的家裡，透過採訪設計劇本，就像了解小朋友平常躲迷藏般會藏在家裡的哪個小角落，再經由數位繪圖的方式將這樣的場景呈現出來，雖然，有別於以往的錄像攝影手法，不過，在題材上，仍是透過小朋友來發揮抒寫內心對於人群，對於社交方式，對於不熟悉的環境等等的恐懼及感受。
不過，坦白說，對於這樣的創作媒材(數位繪圖)或者將內心的社交恐懼藉由躲迷藏這樣概念上的轉化而成的作品，我仍然不太習慣，甚至說，有點矯情和不喜歡，看來，我還是喜歡，以前做錄像藝術的曾御欽!

我，還在適應新的他，他的作品...


相關評論:
我最近挺喜歡這篇 ..游崴寫的『深黑色的蕊,曾御欽』
http://www.itpark.com.tw/artist/critical_data/109/421/258

藝術家創作自述(轉載)
http://www.itpark.com.tw/artist/statement/109/258

我討厭紐約!!!
從我到紐約的第一天開始我就這麼想了
這念頭從來沒有打消，也沒有被否定掉，除了些許的小小驚喜或是一些小小的好吃布朗尼還有幾齣百老匯的閃爍，讓我有些微取消一些對於討厭紐約的註記。就像是在老黑板上不斷寫著我討厭紐約我討厭紐約，卻又偶爾擦掉一些但還是有些字跡凌亂在黑板上並沒有很用力把它擦掉的意願跟企圖。
這是一場很不好玩的遊戲，你不能躲得太裡面，你不可以將自己藏起來，不可以順著床底下某一個物件或是最暗處將自己身體隱沒在不被找到的狀態中，聽著外面的聲響，你很安全，就躲著。
因為，你要被找到，這不再只是小孩子那天真可愛的遊戲，你可以恣意的躲著，因為生氣或因為只想跟自己的某一個幻想朋友獨處而躲起來，你不可以了!!!
你要被找到，你要出現你自己，要面對!!!
這真的不再是一場好玩的遊戲……

從我到紐約開始，不自覺的也被強迫的跟我自己相處，雖然我很習慣跟我自己相處，從我自己的國度的時候，就很少出門的我，也被迫在自己國度環境中出去，去面對很多事情，不斷的發生，而就再搭了十五個小時的飛機，到了紐約，只剩下自己，非常強化的一種意識你只有你自己，你所能憑藉的只有那兩箱行李裡面唯有自己國度的氣味。
我只想抱著那氣味然後睡去捲曲著身體。我就更常待在所謂的臨時公寓當中，我承認一開始我的害怕跟不安，在這噪音一天二十四小時的城市當中，未曾有絲毫片刻安逸氣息，讓我思考所謂的自由，你可以去很多地方但實際上你哪裡都去不了，只不過是換了一個國度然後困住，原諒我的措詞，困住。
我被我自己困住，被語言，被這不是我生活的複合，被許多我應該要負的責任跟義務，我被困住，然後就在冬天的紐約我滿腦子混亂到我無法確定我那場大病究竟帶給我多少影響。
只記得我好幾個夜晚的燥熱，乾咳，我無法好好入睡，我呻吟用一種喉音然後略帶嘶吼狀態，但我依然可以感覺到地鐵在我公寓下震動。
而我看見一個孩子面對著我同樣捲曲著，不安的看著我，好像是看著我吧!或許…..他眼神似乎不在我身上，只能感覺他直視著，有野獸要進來一般，有種偷窺的好奇或許不是，我讀不出那些情緒，太多而混亂，而無法直視。一種想要開口的想法。但只是一種想法在嘴邊發抖。

作品想法:

小孩 ，是我作品當中最常出現的角色，對我來說就像一個毛病一個戒不掉的習慣，腦海中的畫面常常總是有小孩站著，就像一個說故事的人，一個角色，我讓這小孩說話，我佈局了一個場地一個空間，但我不在現場，我邀請了一個說故事的人當我演繹這故事。
而在這次的作品當中，我去述說我第一次到紐約的感覺，很直覺的將我腦海中的畫面擷取。
我在紐約各地尋找到了二十一位小孩，從曼哈頓，布魯克林，皇后區，布朗區，各種不同的紐約，不同的生活背景家庭，二十一個小孩去說這故事，我的故事。
我一直認為數位原始的圖片就像是一個簡單的基底，這次，我不斷的在數位照片上用數位筆繪畫，不段堆疊我腦海中的影像，那一層又一層的圖層，如油墨繪畫般的堆疊。
每一張原始照片就像是剛上打底的畫，而我將情感跟直覺畫入圖像當中。
一個彷彿熟悉卻又陌生，彷彿溫暖卻忽然驟冷的情緒。
每一個小孩都躲在自己的房內，窺視著外面，他知道自己不能躲得太裡面，他知自己要被找到，但外面的世界就連自己的房間都黑影晃動，好奇卻又畏懼的看著這世界，等著被發生或是去發生一些事情。

是我想要去敘述的。


後記

紐約是大部分藝術家夢想的金色殿堂
然而曾御欽在創作自述中
第一句話就直言 我討厭紐約!!!

並不驚愕
紐約本來就不是 "人人" 都應該嚮往的城市
也不是每個藝術家都以拿到美國藝術家簽證為目標

雖然尚無法知道看了作品之後
是否會被觸動或牽引出任何情緒

至少
這種赤裸裸的說話式創作自述
沒有太多美學理論或哲學思考的艱澀難懂
在台灣已不多見了

【展覽】超介面_第三屆台北數位藝術節

展期: 2008/9/12～2008/11/09
地點: 台北當代館

會衝去看這次展覽，很大的原因是公司也得獎了，這是在地實驗第三次辦台北數位藝術節，這次不論是展覽的質感或者整體宣傳及規劃，都已經『到位』了!(學中國人說的)
雖然我沒有參與到這次公司推出的作品，但是，我還蠻喜歡我們公司這次的作品『辦公室現場 /4版』，他用一種非常詩意的方式，表達工作中每個職位的想法，
例如：3D動畫工程師的電腦，就會是在看程式的畫面，秘書或者研究員的電腦，因為工作屬於機密，所以也許畫面就沒有辦法被看見，但他用水杯的滴水方式，讓我們知道這個職位他的秘密，只是，我還沒有想到滴水跟窺視或者辦公室現場有什麼密切的關係?不過，我們的創作理念，也寫的相當有詩意，我也蠻喜歡的。
『工作中的我們。在講話，沒在講話，好像在講話，又好像沒在講話;是夥伴，不是夥伴，好像是夥伴，又好相簿是夥伴;身在這裡;心不在這裡，好像心在這裡，又好像身不在這裡，實現夢想，藉以維生，好像在實現夢想，又好像只是藉以維生;……在0與1的數位環境中，我們以/4的無理數狀態存在。』

另外，關於聲音作品，我喜歡陳欣利的『浪』，可能因為我喜歡海的聲音，這件音樂作品，將海浪的空遠寧靜或波濤洶湧，表現的淋漓盡致，在短短的三分鐘裡，聽到對於海浪及風聲各種不同的表現，很有意思。

『音樂圓柱』是韓國藝術家：睩鎮耀的作品，這件作品令人感到愉悅，一頭是個像是圓柱的音樂寶盒，將手觸碰在上面，就會發出清脆的聲響，彷彿是風鈴般，另一頭則是一個旋轉機器，當人們轉動時，那頭的圓柱就會開始轉動，將這些機械轉化為聲響，是著實的音樂聲響製造機。

展覽相關網頁:http://www.mocataipei.org.tw/_chinese/showweb/index.asp?ID=59
官方網站:http://www.dac.tw/daf08/

【展覽】黑暗城市v.s城市之眼

展期： 2008/6/28～2008/8/24
地點： 台北當代藝術館
策展人：郭肇立、劉克峰、蕭淑文

本次展覽，令我相當失望，因為看到一群的建築師所謂的藝術作品(包含姚仁喜、何以立、陸希傑等) ，大失所望，我很欣賞郭肇立的策展概念，台灣的城市建築因受西方建築影響，近年的建築都採普遍的日照性，但，其實在台灣的建築，很多都不一定適合所謂採光性的建築，才使郭肇立發起這樣的策展理念。另一方面，在亞洲文化裡的夜生活，比白天更為豐富，而城市因光影的變化，而產生更多不同的層次，這也是興起『黑暗城市』這樣的策展理念的開始。
可惜的是，也許建築師終究是建築師，藝術作品所呈現的效果，與他們所講的創作理念相去甚遠，沒辦法給觀者有相同的感受，另一方面，建築師所呈現的手法，還是因已他們所擅長的方式，例如:建築的手法呈現，而非使用他們所不擅長的技術，這樣反而沒有辦法貼近他們所應該表現的效果。
反倒是另一個策展主題的『城市之眼』展出的幾個藝術家作品，令人較為印象深刻。以下介紹幾個喜歡的作品：
1. 黑川良一-無味
第一次看到這位藝術家的作品是在台北市立美術館展出，這件在當代館展出的作品，是他特地在台灣將台灣城市的味道及想像編輯而成，聲音也相當具有震撼力
，他是一位相當年輕而優秀的藝術家，以下是他個人網站的連結:http://www.ryoichikurokawa.com/

2. 王雅慧-從多遠的地方你能看見我
相較於黑川良一的震撼力作品，王雅慧的影像作品顯的小而精緻，又可以看到淡淡的女性思維，用兩方的錄像作品，一個是窗外的景色，一個是窗內的風景，用幾艘紙做的小船，來顯現窗內窗外的風景，也藉由這樣的風景，無形中透露出許多城市景色。
相關展覽簡介: http://www.mocataipei.org.tw/_chinese/showweb/02_detail.asp?ID=57

媒體報導影片: http://tw.youtube.com/watch?v=6bfZ4j4xeU0

【展覽】建築實驗室

【展覽】建築實驗室
展期: 2008/6/14～2008/8/24
地點: 台北市立美術館 一樓展覽廳

本次建築實驗室的展覽，是由法國中央地區當代藝術基金會所發起的建築收藏展，將1950年代以後的建築概念發想做一系列脈絡的介紹，企圖顛覆建築物本身存在的意義以及概念的發想。

本次展覽主要分為以下幾個類別：
1. 網絡城市：城市可以因為外來的建築體產生資訊網絡的發展建構，在這一系列的概念作品中，我最喜歡peter cook的概念草圖《instant city》 (片刻都會)，他繪製了飛行船降落於城市的概念，將網絡城市的想法徹底的傳達，相當有趣。

2. 移動城市：60年代興起的『塑膠建築』結合了移動式建築的概念，在當時早已引起廣泛的討論。所謂的『寄生蟲居住單元』以及『吸盤式居住單元』皆是可以產生量化的模組，在建築概念裡不僅僅是可以移動的建築，可拆卸組裝整合，還具有便利化的生活機能，對於功能化的現代社會非常受用。

3. 氣泡城市：因創新的塑膠材質的發起，另產生氣泡建築的概念，開啟了充氣模組的建築概念。建築不再只是堅固或者永恆存在的媒材，極有可能包容著可拆卸式或者相當輕巧的視覺效果及功能性。其中尤以安東尼˙史丁科(Antoine Stinco)的作品《日用品活動賣場》(hall itinerant dexposition)的可拆卸式的氣泡賣場草圖為代表性的概念發想。

4. 傾斜城市(the oblique city)：傾斜城市強調的是建築物本身的溝通聯繫，除了靠通訊設備作為聯繫的橋梁外，建築物本身當然也扮演著重要的溝通橋樑管道，例如:在一樓與二樓除了平面空間的垂直聯繫外，因為傾斜的建築概念，也許更能夠讓資訊的溝通更為便利，雖然，我還是不太理解這樣的建築概念與意義。

5. 幾何城市(geomeytic city)
6. 巨構建築(megastruruers)
7. 未來城市(futuristic city)
8. 解構(deconstruction)
80年代，出現了所謂的"解構城市"，簡單來說，解構建築就是將建築的組成元素如圓柱等先行拆解後重新組裝，藉此發展出新的建築技術與方法。貝爾納.屈米(bernard Tschumi)的作品很有趣，將建築利用點線面的方式，拆解成許多種的建築建構方法，這是在解構主義裡面，我最喜歡的一種建築形式與方法。


相關展覽網頁:
http://www.tfam.museum/03_Exhibitions/Default.aspx?PKID=293

(待續)

【展覽】保羅.高曼 大衛.羅賓哲攝影展

圖片說明:
1945年，一名身份未明的猶太女性，她曾被送入德軍慰安營，向鏡頭展露德軍強烙在胸前的刺青，:"軍妓A,125701"(A表示 奧斯維茲集中營)。
1945年，高曼攝於莫雪夫納哈啦聯合村落 。

展期:2008/3/11-6/22
地點:台北市立美術館
參展藝術家：保羅.高曼(Paul Goldman) 大衛.羅賓哲(David Rubinger)

這個展覽，很有意思，尤其，上面這張照片令人印象深刻，一張照片，道盡以色列建國的辛苦與歷史上一切的心酸，曾經聽北美的策展人說過，以色列的策展人，為了能夠在北美館獲得一次展覽的機會，曾經三番兩次的找他辦這個展覽，現在終於如願以償，當我，在某個夏日午後，在北美館看到三樓的展覽廳都被他們所包辦時，終於知道他們如此勤奮，如此賣力的在為自己的國家努力著，照片背後的意義---不可言喻。

展覽相關網頁: http://www.tfam.museum/03_Exhibitions/Default.aspx?PKID=251

【策展省思】城市變遷的策展議題省思

最近，似乎很多大型展覽，都將主題環繞在『城市變遷』相關議題上，例如：北美館為配合本次伊東豐雄的建築展，而另外策的『不設防的城市：藝術中的建築』，又如國美館即將展出的『城市雙向道』(The Two-way City) ，再看即將在今年九月登場的上海美術館雙年展『快城快客』，是什麼樣的原因，讓大家把注意的焦點都放在同一個位置上?
城市變遷的議題最容易被說明的應該是屬於上海這個城市的目前現象，但是，同時詭譎的是，當藝術家使用了省思的角度，去詮釋這樣的策展理念時，卻不被認可與苟同，甚至當中的主持者確希望宣揚國威與理念似的，將這樣的議題嘩眾取寵加上炒作?相較來講，反觀北美館的所另外策的小展，似乎會比較更有說服力一些?

以下是三個展覽的主要文宣：
1. 國美館-城市雙向道The Two-way City
開幕時間：2008 / 3 / 23
展出時間及地點：數位藝術方舟 2008/3/23--6/30
　　本館E型展覽室 2008/3/23--5 / 18
摩天樓 辦公室 街道 捷運 公車 流動 速度 斑馬線 紅綠燈
可以前後 走 左右 轉 上下 升降
以 搖擺 拉扯 摔砸 稱重
走自己的路線 隨意 漫遊

城市雙向道 之「小民市景─台灣新興數位藝術展」
The Pedestrians – Emerging Digital Arts from Taiwan
王仲堃 牛俊強 李明學 姬俊銘 蔡安智 黃心健
數位藝術方舟裡，欣賞展出作品的方式，常以一種線性的座標前進。像是在城市街道中，遊走漫步。
小民市景亦是將創作，用線性連結傳播。藝術家是這線性中第一層的小民，在城市中漫遊。在流動的狀態中，有意識或無知覺的捕捉片段市景。創作媒材也成了篩子，將這樣的片段注入第二層次的運動，或許是以跳躍的模式，或甩動，或拉扯，或摔砸，完了後再搖一搖，稱稱重。最後，最厚實卻精選的市景狀態，掉到了方舟裡，給線性環節的第三層小民，在數位藝術方舟內，慢慢游動，一邊擷取，也一邊再連結台灣年輕藝術家的市井方田。

2.北美館-不設防的城市:藝術中的建築
2008-03/15 ~ 05/25 在 台北市立美術館
今日，建築的概念已從個人最密切的家屋，向外延伸至城市、環境、國界等有形建物的聚合，並多元地指涉個人、集體精神世界的屏障，建築可以是有形的人造建物，也可以是個隱喻、一個指涉，泛指人與空間變化不拘的關係，它也凝聚了人們對美與善的無窮想望。本展反映當代建築空間中的文化意涵及其社會意義，試圖從地景到文化現象、從社會外在環境到心理狀態、從過去到未來願景，以開放的空間，呈現藝術家心中環繞著建築的、個人的想像城市-- 一個不設防的城市。本展橫跨建築與藝術領域，囊括十八位優秀的台灣藝術家及建築師，廣泛的以建築、繪畫、攝影、錄像、雕塑等媒材，探討藝術家對人造建物的種種想像，帶領我們從文化斷裂頹已之境再出發、企圖窺見新世紀烏托幫的可能樣貌。

http://arch.thu.edu.tw/forum/viewthread.php?tid=967
3.上海雙年展-快城快客
快城快客，似乎展現了一個在飛速發展的城市中人群迅速移動的意象。它的“快”和龐大，令人激動萬分又有隱約的不安。和其他國家和地區不同的是，中國的人口遷移無關種族、難民潮或者戰爭後遺症，它是中國巨大的建設浪潮和令人目眩的經濟成就背後的組成部分。中國社會和經濟正發生著巨大的變遷，人口從農村流向城市、從小城市流向大都市，以尋求發展機會。中國正飛速地從農業化的社會轉向工業化、信息化的社會，從計劃經濟轉向市場經濟。而具體到上海，這個城市本身的歷史文脈又給這個主題增加了內涵———它的殖民背景、經濟龍頭地位和國際化抱負等等。
引用:
http://fjtct.now.cn:7751/my.juartong.com/index.php/action_viewnews_itemid_3806.html

【展覽】華麗巴洛克_遇見美男子與西洋情色畫作

【酒神畫像】（Jan van Dalen）油畫 68 x 59 公分

展期: 2007.10.20～2008.02.24
地點: 國立故宮博物院

我很喜歡這次的展覽，不是因為它的展場規劃，不是因為它的名氣(其實有很多大師的單幅作品有來到台灣，但只有一兩張挺著名的)，也不是因為我喜歡巴洛克時期風格的畫作，單純是因為，觀賞其作品非常舒服，整體參觀感覺Fu非常好!分析其原因，我想，可以歸納為以下幾點:
1.聽導覽或事前做功課的準備:
我想，觀賞這種具有歷史性畫作作品，最需要的仍是觀賞前事前做足功課，不論是歷史性的背景或者畫家本身背景，或者到現場後一定要找機會聽到定點導覽，或者聽語音導覽，雖然，導覽後有可能的損失是失去『感情面』的去看作品，比較難以直接有所悸動，但是，對於難得進入博物館可以觀賞到名畫的我們來說，也許導覽是一個可以在有效時間內值回票價的事。
2.人群與時間:
每次大展來，光是排隊及進入展場後，看到滿滿的人頭，再令人驚嘆的名畫，都會令人相當掃興。以往幾次的經驗後，讓我學會須在展期快結束的那個上班日期間的早上去觀賞，不僅可以避免週末假日時間，也可以避開寒假及過年等等因素，而得到較高品質的觀賞畫作的Fu。(抱歉!最近很愛用Fu)
3.展場規劃及燈光:
以本次動線來講，事實上並不人性及直覺，有點混亂，但是，在燈光配置及打燈效果上，卻是非常成功，令人在進入會場後，感受到一種肅穆的氣氛，也不由自主的壓低音量及感受到安靜的觀賞氛圍。

說完了對於外在條件的想法，接下來，分享一下本次喜歡的幾幅畫作:
事實上，我比較喜歡這次關於希臘神話的幾幅『情色』畫作，(可能跟年紀及心境有關!哈哈)
1. 【西蒙與艾菲琴妮亞】-彼得．保羅．魯本斯（Peter Paul Rubens，1577席根—1640安特衛普）

約於1617年繪製 油畫 208 x 282 公分

【西蒙與艾菲琴妮亞】是取自「十日談」的故事。有錢的西蒙為了獲得艾菲琴妮亞的愛，而打扮成農民接近她。畫中可以看到艾菲琴妮亞和二個女生在樹下小睡，人物充滿豐腴滑潤的肢體，這是巴洛克的特色之一；而橫陳中的央艾菲琴妮亞似乎微張著眼睛斜睇西蒙，則像畫龍點睛般，道出故事。另外要注意到畫作右下，有一隻小猴正站在水果堆中，兇狠的表情很逗趣，而左下的噴水池則有像黃金絲線般的水流，這兩處細微的地方很精采。(擷取導覽手冊)

2.【神話寓言（戰神、維納斯、勝利女神與邱比特】-波多內（Bordone，1500特雷維西歐－1571威尼斯）

約 1550─1560年間繪製 油畫 111.5 x 174.5 公分

【神話寓言（戰神、維納斯、勝利女神與邱比特）】說的也是維納斯和戰神偷情的故事。左邊是勝利女神，戰神的樣貌在這次的展覽中，有著不同的角色及面容出現，維納斯也是代表著許多角色面向，非常有趣。愛神邱比特及右邊的檸檬樹在象徵著愛的永恆?維納斯嫁給了火神，但他不愛火神，在這個展場中，也有一幅作品象徵著他與火神之間微妙的眼神交換，真不是我在說，頓時血脈噴張阿!(吹氣~)，不好意思，此篇是不專業的展覽報告:P




其實，波提且利 Botticelli在1485年就已畫過一著名畫作【維納斯的誕生】，
但是在此畫作中，維納斯所象徵的形象是非常唯美而高雅的。


3. 【宙斯與安蒂歐普】-巴扥洛米歐斯‧史普蘭格( Bartholomäus Spranger，1546安特衛普－1611布拉格 )

約1596年繪 亞麻畫布 120 x 89 公分

畫面上男子的羊腳和腳下的老鷹，就是宙斯的象徵。注意看雙方的眼神交流及安蒂歐普的手指與宙斯的股膝交會處 (鼻血直流~)
關於希臘神話的傳說，在這裡，獲得我高度的興趣，另外西方畫家對於酒神的詮釋，讓我對於酒神【愛奧尼索思】、【維納斯】等角色更加的喜歡了。

另外，其實魯本斯還有一畫作【和平之幸福寓言】，雖然隱喻的理念非常的正派，但是畫面上的情色之處就不用多加說明了，大家自己去查來看吧!(本畫作連結已經以隱形之馬賽克處理，非常抱歉!)

展覽相關網頁及圖面出處:
http://www.mediasphere.com.tw/vieena/zh-tw/vienna_overview.html

【展覽】海洋堂與御宅族文化-欲望與消費

展期:2007/11/17-2008/2/17
地點:台北市立美術館

這個展覽很有趣，將所謂的「次文化」搬進了藝術的殿堂-博物館，但誰說「玩具」、「食玩」(在日本，這是附於食物上的一種贈品統稱)就不能進入博物館呢?
我倒是覺得很新奇也很期待，更樂見其成這樣的一個展出，在台灣投下一個震撼彈。從陸老師強調的動漫美學，到張芳薇與日本策展人共同將這樣的一個屬於海洋堂的展覽，搬進國內，就是一項創舉了!接下來，還會發生比什麼更令人期待的事呢?原來博物館也開始年輕化了!大開心!

其次，「慾望與消費」這展覽次標下的太好了!這是一種循環的消費能力，也是食玩或者這樣的蒐集者他們的循環消費行為，包括我自己都有，使用這樣的一個次標來替這個主題，訂下一個客觀而有學問的定義是極不容易的。這應該是這展覽很有味道的地方吧!希望藉由這樣的展覽形式與議題，引發討論，也引發了新聞焦點與話題，就博物館的行銷策略來說，應該是很成功而且極有議題性的，同時，也將博物館的經驗漸漸的年輕化了，這應該是博物館需要漸漸努力的地方，當觀眾群開始培養了看展的經驗與興趣，尤其以年輕化的世代而言，這對美術館是有利而必須培養的觀眾群。

最後的得利者就屬於海洋堂了。當年的老闆如果沒有使用木刀決定倒下的一邊是開間模型店的話，也許，就沒有今天的海洋堂，也沒有今天的村上龍也不一定。

建議大家去看看，即使走馬看花也好，因為，看到等比例的「北斗神拳」公仔、還有大胸部及露屁屁的美少女公仔，基本上，我覺得挺值得的阿!哈!



【展覽背景】
現今日本出品的漫畫、電玩、動畫、特攝片等在世界各地廣受歡迎。除了故事本身，人物角色與機器人形象也受到高度支持，進而出現了各種周邊商品，以滿足大眾多樣化的需求。漫畫、電玩與動畫成為日本輸出商品的招牌明星，隨之衍生的玩偶、同人誌及模型，匯集成一種所謂「日本製造」的消費價值。而這類文化的集散地──秋葉原，也因此成為東京最大的觀光名勝區，帶出一種日本次文化，也就是所謂的「御宅族文化」。
「御宅族文化」自1980年代初期開始大幅發展，海洋堂便是一路走來的造形集團與製造商。以買零食附贈的「食玩」及各種玩偶贏得超高人氣的海洋堂，在1964年於日本的大阪以模型店起家，除了販賣塑膠模型之外，同時也一直致力於造形文化的啟發與普及，1980年轉型為「GK模型」（少量生產的組合式模型）製造商。1990年代末期，在大量生產、價格低廉的食玩領域掀起一大旋風。
從海洋堂推出的歷年商品，可以看出御宅族文化的演變過程。日本當紅的漫畫與動畫角色、戰車、機器人、怪獸、恐龍、動物、妖怪、乃至博物館的名品與美術作品，舉凡想得到的主題都能被製作成立體模型，也象徵著現代人無止境的欲望與消費的關係。
透過本展將回顧海洋堂製作的食玩與模型，以及造型師的工作，同時也介紹日本御宅族文化的現況。

【展覽內容】
當今的日本文化–御宅族文化的首都「秋葉原」
位於東京市區交通要衝的秋葉原本來就是人潮易於聚集之地。1960年代以來，秋葉原因便宜家電而繁華一時，但隨著電腦時代的來臨，開始有許多玩家光顧。到了1998年，海洋堂在秋葉原開店後，頓時出現許多專賣動漫畫、電玩、GK模型的商店，使得秋葉原成了「御宅族街」。彷彿為了忠實反映玩家的欲望，店鋪及街道都充斥著御宅族的意趣，甚至在公共空間的車站裡，都氾濫著美少女與機器人的形貌。秋葉原已成為當今日本次文化的象徵。
日本的食玩熱潮與海洋堂
1999年9月，古田製果生產的巧克蛋，將「日本動物系列」放在巧克力裡，附贈玩偶精巧的造形頓時掀起搶購熱潮。這套食玩就是海洋堂造型師松村???負責原型製作。過去只受到部分御宅族高度支持的海洋堂，隨著這股食玩風潮頓時廣為人知。這些食玩雖是贈品，卻擁有著色完美的高完成度，因此也可供大人鑑賞把玩。而「打開才能揭曉謎底」的賭博趣味性，以及把海洋堂發明的「隱藏版」混入其中販售，藉此刺激人們蒐購的宣傳手法，也是掀起熱賣的另一主因。海洋堂更標出造型師姓名，使得這些食玩人氣大增。雖然後來有許多製造商跟進，但海洋堂在原型製作上的高度造型性、加上造型師的個人特色、以及技高一籌的宣傳策略，在模型界知名度一直領先，現已成為日本食玩與玩偶模型的代名詞。
1960至1970年代–模型店時期的海洋堂
海洋堂於1964年在大阪開設模型店，店內設置模型專用的軌道賽車場和水池，舉辦「塑膠模型講座」，致力於模型文化的普及與品質的提升。也發行了PR刊物《海洋》及雜誌《Hobby的誘惑》。1972年海洋堂推出模型專用的自創工具系列，並註冊「ARTPLA」商標。1976年，為了推銷這套工具還巡迴全國做宣傳。翌年在門真市開設Hobby館。本展透過當時的珍貴照片與資料，以及代表性商品（帆船模型、自創工具等）的展示，介紹模型店時期的海洋堂。
1980年代–御宅族的出現及GK模型的誕生
在1960年代初生、1970年代成長，1980年代已是成年人的熱愛動漫及特攝片角色的玩家，對既成的塑膠模型感到無法滿足。他們學習複製技術，推出絕版模型的復刻版，自己製作動漫、特攝片的角色，鑄模成型之後流傳於同好之間。在這樣的過程中，海洋堂於1981年率先在店內設置了GK模型專用的工作室，成為玩家之間新的交流管道而廣受好評，1982年開始當作商品販售。1985年放棄經手塑膠模型，將重心放在GK模型的販賣上，使得海洋堂這個製造品牌在此時期迅速奠定基礎。用「御宅族」這個名詞統稱愛好動漫、SF、特攝片的人，也是在這個時期開始的。
1990年代的海洋堂
1990年代，由於高度資訊化社會的到來，人們的嗜好逐漸細分化，以往透過大量生產與大量消費所形成的國民共同的動機急速地消失。在各種價值觀一視同仁的潮流中，HOBBY領域中的類型也逐漸細分化。而整體社會重商主義的盛行，著作權利關係的強調，即使是在GK的領域中，自由的創作活動已逐漸困難。雖然海洋堂以GK化的題材推出大受歡迎的內容，但整體市場仍逐漸停滯及萎縮。在此狀況下的1995年，美國人氣漫畫「閃靈悍將」的塗裝完成可動式玩偶大受歡迎，海洋堂敏銳地回應並引領這股風潮，自1998年起以中國為生產據點，全力投入開發塗裝完成的可動式玩偶模型。另一方面，海洋堂於1999年著手製作封入「巧克力蛋」中的玩偶模型，這種精巧的縮小模型注入了海洋堂對於GK的熱情，受到一般民眾的喜愛，掀起了所謂的「食玩風潮」。
21世紀的海洋堂
海洋堂創業至今已四十年。彷彿受到現代日本社會肥大化欲望的推動，造型師的造形力日新月益，做成立體模型的主題不斷擴展，陳列在市場上的商品數量也與日俱增。在模型和玩偶這個領域，也出現喜好的細分化。御宅族誕生至今二十餘年，早已遍及各個世代，現在就連在御宅族之間，也已失去跨世代的共同主題。這或許也可說是反映現代日本社會風貌的一面「鏡子」吧。在此將介紹海洋堂於食玩風潮後所製作的作品，試著檢討現在的日本御宅族喜歡什麼與追求什麼。


以上資訊，轉載是展覽網頁: http://www.tfam.museum/

【展覽】我觀-3L4D-動漫美學新世紀

策展人：陸蓉芝
展期:2007/10/20-11/8
地點:國父紀念館中山藝廊
參展藝術家：台灣/楊茂林、幾米、廖文彬、洪東祿、翁邦鳳&方廷瑞、馬君輔、廖堉安、許唐瑋、蔡潔莘，中國/志岡、張天曉、張曉東、陳飛、張霜、王邁、石磊、羅琿、傅開來、羅丹、楊納、穆磊，日本/草間彌生、天野喜孝、奈良美智、鴻池朋子、松浦浩之、Mr.、三宅信太郎、櫻井理惠子、豬子壽之、近藤聰乃，韓國/KIM DON YOO、裴淮晟、李東起、權奇秀、CHOI BYUNG JIN、姜錫鉉EDDIE KANG、、李敏揆，美國/GARY BASEMAN、FRIENDSWITHYOU

本次，與幾個好友一起千里迢迢的跑去國父紀念館看陸蓉芝所策的「3L4D 動漫美學新世紀」，老實說，有些失望，或許是因為展場效果不好，也許是抱著太大的期望，當實際碰到這樣的展場與展出後，確實覺得似乎期望太大了。
這次的展覽，陸老師為自己的「虛擬的愛」續版再續版，寫下這麼一段策展理念：〝我第一次提出動漫新美學的概念，是在臺北當代藝術館2004年舉辦的《虛擬的愛》大展。後來我陸續在杭州、北京做了三個不同版本的系列展出，2006年在上海當代藝術館又做了一次《虛擬的愛》，然後展覽巡迴到新加坡美術館，之後再一次重新組合，今年春季到法國兩個城市展出的《Animanga》，目前比臺北國父紀念館早幾天在上海當代藝術館開幕的《動漫美學雙年展》，到這次我重返臺北策畫的《3L4D:動漫美學新世紀》大展，就已經是三年以來第十個版本了。每一次展覽內容都有所變化，像有機的生命體一般，成長的本身就是變化，因為變化，才能成長。〞

也許，陸老師找了同一批人，同一批藝術家(絕大部分) ，透過藝術家新作品的成長，也讓我們看到動漫美學(註1)的成長。這樣的效果是好事，畢竟，我在展場裡，看到許多年輕人，對於這樣的創作有興趣，總比博物館裡好多了，看展的氣氛是活潑的，是有趣的，至於主旨麻~到顯得不那麼重要了。

觀其中幾件喜愛的作品，如下：
1. 許唐瑋/台灣
許唐瑋的作品蠻有趣的，至少在視覺效果上，我是喜歡的。在他的畫作裡面，我看到柔軟而似機械的組織構成，真切的喜歡。
2. 三宅信太郎/日本
他的作品有種樸實的風味，尤其，類似窗櫺的畫框作品，令人玩味，充滿童趣的作品，再也沒有什麼比這個更突出了，彷彿回到了小時候，純粹喜歡畫畫的感覺。

3. 近藤聰乃　Akino Kondoh./日本
夜遊的這件作品，有著濃濃的日本味道，配著輕快的歌曲，彷彿是本次展覽的最佳代言人，最佳代言作品，它符合了陸蓉芝所論述的四個要點，也徹底的執行著。

整體上來說，台灣與大陸的作品，還是比較弱的，面向也沒有這麼多，這的確是我們需該審視的地方，作品的表現與手法，應該不是只有一種可能。

相關網址:3L4D 動漫美學新世紀特展：http://www.artmap.com.tw/3l4d.htm

【註1】陸蓉芝:動漫美學新註解
http://paper.wenweipo.com/2007/10/14/YC0710140001.htm
台灣動漫美學停滯不前
http://tw.news.yahoo.com/article/url/d/a/071017/4/mk8e.html

【展覽】兩廳院20周年活動-綠牆揭幕

"植物就跟音樂一般，可以使人心情愉悅輕鬆。"

地點:兩廳院1樓內部牆面

那天，與公司一同參予兩廳院綠牆的揭幕，從事生態藝術逾30年的法國藝術家Mr. Patrick Blanc，其獨特的直立式花園設置，已在國際間創造了許多不同空間典範。
看看他本人自戀的樣子，果然是愛植物成痴。

這是他在法國製作的壯觀作品
http://www.drame.org/blog/images/Août%202006/Branly.jpg
http://localoaf.org/wp-content/uploads/2007/04/vertical-garden.jpg

讓空間充滿無限可能。
陳郁秀當時，在遊玩時，看到他的作品，非常喜歡，好不容易把它邀請來台，製作了一面牆在兩廳院音樂廳的牆上，有空可以去看看喔!

【展覽概念】綠色交響詩
〈綠色交響詩〉在國家音樂廳一樓共有兩面，以生態、藝術及「垂直花園」（vertical garden）的專利建造手法，將綠色生態融入音樂殿堂。布朗克表示，這是他第一次在音樂廳製作綠牆，他自己很滿意，「希望這個角落可以成為樂迷對話與休息的空間。」整面綠牆一共使用了台灣常用植栽品種51種，總計4153株，布朗克說台灣的植物有亞熱帶也有溫帶，種類繁多，讓整面綠牆具有生命力。布朗克的「Blanc」法文的意思是「白」，「但是大家比較喜歡叫我綠先生。」為了看蕨類，綠先生爬山就像蜥蜴一樣，看到驚喜的蕨類就黏在山崖上，開心得像小孩。他認為都市裡的人們渴望與植物親近，植物就跟音樂一般，可以使人心情愉悅輕鬆。

【藝術家簡介】Mr. Patrick Blanc

布朗克現年53歲，在成為藝術家之前，是研究熱帶樹林灌木叢的專家，也是位上山下海到處找尋植物的科學家。 從1988 年在巴黎科學工業城（La Cite des Sciences et de l’industrie a Paris）發表第一面綠牆（Le Mur Vegetal，The Vegetal Wall）以來，代表作包括了巴黎2006年開幕的布利碼頭博物館（Musee du Quai Branly）、曼谷暹邏購物中心（Siam Paragon）、日本當紅的金澤21世紀美術館（21 Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa）等，他也與法國設計師尚保羅．高第耶（Jean-Paul Gaultier）合作植物服裝系列。 這次在台灣創立了首座懸吊的直立式花園，綠先生發現有些植物並不長在土裡，而是長在地衣苔蘚類上，換句話說，在缺乏土壤的直立式表面上，只要水源不予匱乏，植物是有可能存活的。綠先生就發明一套專利系統，研究出定時供水的網架系統，可以將這些植根不深不需土壤的植物，種於直立的牆面，以管線方式傳輸水份和養料維持植物壽命。 綠先生主張，直立式花園可以讓人類重建「擬自然環境系統」，這也是讓城市居民每天都能將大自然融入在生活環境的方法之一。此外，還有隔離熱能、淨化空氣等功能。

【展覽】我觀3Cの祭－台灣多媒體藝術展

【展覽】我觀3Cの祭－台灣多媒體藝術展
展地：華山文化園區

展期：2007年10月26日至11月04日

新聞聯絡人contact：視覺藝術協會

上週五，應公司要求，我與同事去看了「3Cの祭－台灣多媒體藝術展」。
這是視盟藝術家博覽會所做的展覽，以往，他們都是以平面創作邀展為主，本次擴大舉行為以錄像作品、平面作品聯合舉行。可惜，在展覽形式上，有以下下列想法：
1.平面作品輸入至液晶電視上播放之形式討論：
這樣的作品，失去了原有平面作品的真實性，也失去了原有的作品的張力度。或許，形式上是符合了本屆展覽的初衷，但同時也失去了平面作品的原汁原味。

2.錄像作品與華山展演空間環境的結合：
此部分的處理倒是相當成功，利用白色牆面的帷幕，與華山此閒置空間的結合，讓整體錄像作品非常有張力，與環境配合的相當成功的一個展演空間。

3.錄像作品所需的先天條件不足：
多數的錄像作品，仍需要一個安靜而密閉的空間來展演，較為適當。當天多數錄像作品仍有聲音裝置，造成彼此的干擾，其次影像色澤的變化，也的確會互相影響到週遭的作品，如果需要一一觀看每一個錄像作品，需要一個安靜的角落是非常必要的。目前看過的展覽為止，感覺把這樣的氛圍處理的最好的，仍是2005年，王俊傑老師曾經在北美館策過的一檔展覽「異響」，當中將影像與聲音分配得當，質感與影像同時兼顧。或者如去年末，在信義誠品6樓展演的腦天氣，都是很好的展演方式。

在作品的內容上，印象深刻的有以下幾個作品：
1.王雅慧-Visitor：
這件作品利用一朵雲，來敘述舊時記憶在腦中的影像，一貫如同王雅慧之間的作品「日光下的靜物」，沉靜的影像鋪呈與敘述，在時間、空間下的變與不變，都深深吸引著我，我喜歡這類的錄像作品的敘述方式。

2.微型樂園-呼吸：
微型樂園的這件作品，在影像的視覺效果上，相當有質感。
在一片快速的影像訊息播放之間，微型樂元的這件作品，讓我真切的感受到影像也能呼吸的存在。

3.王馨儀-藍：
這件作品顛覆所有影像作品想利用錄像的動態所產生的創作理念，在5分55秒裡，你只看到粉紅，粉紅色的靜止狀態，然而，如果你夠有耐心，你會晤出一些道理，其一是你發覺你被騙了，其二，是你知道他要表達的意義。

相關作品資訊http://www.digiarts.org.tw/en/ShowNewsTW.aspx?lang=en&CN_NO=407

【展覽】Love & Money - 英國當代創意商業設計展

展覽時間: 10月11日 - 21日
展覽地點: 台北 101 購物中心4樓

本次Love & Money英國當代創意商業設計展，由英國主辦的展覽，他已經巡迴世界各地展出，台灣是其中一站。他邀請了將近20個商業設計公司一起參予，有建築類的、服裝設計、平設、動畫等等，展場形式也非常特別，因為是購物中心的4樓大廳空間，其實條件並不好，沒有專業的燈光，場地可以提供展覽。但是他仍舊展現出驚人的效果。

首先，在外圍部份，使用了大型燈箱將20個設計公司或設計師的個人作品，顯現出來。在進入展場後，你會看到一落落類似小村落的展示檯，每一個展示台代表的是一個團體的最著名的作品。事實上，設計展能做的幾乎都是這樣子，但比較有趣的是，他運用許多的液晶螢幕及影片去強化及說明展覽。或許是因為展示檯太小的空間，感覺上有些作品會互相干擾及影響，相當可惜。

這20個設計作品中，令我印象深刻的反而是最樸實的畫家手稿，目前知名的Jamie Hewlett筆下的Gorillaz主角手稿。註1
還有在愛知博覽會時看到的西班牙館的蜂巢狀建築設計。註2

註1：由英國搖滾樂隊Blur主唱Damon Albarn和英國漫畫家Jamie Hewlett一起構思、在健力士世界記錄大全榜上有名並堪稱為「最成功虛擬樂隊」的Gorillaz，是一支由4個虛構卡通成員組成的Hip-Hop搖滾樂隊。樂隊成員包括：身材修長頹廢迷人主唱2D，性格型仔Bassist兼隊長Murdoc，大舊黑人鼓手Russel，以及聰慧可愛女結他手Noodle。這還不單止，Albarn和Hewlett竟大膽的將構思推至高峰，與全球數一數二的數碼媒體創作公司Network LIVE合作，將一個罕有的機會帶給一眾Fans，將虛擬樂隊Gorillaz活生生的搬上舞台！

展覽網站：

www.britishcouncil.org/arts-design-love-and-money.htm

【展覽】心弦，無聲之音-董陽孜

展期:2007.10.06-2007.11.04
展覽點：信義誠品

週末，去看了兩個許久就想去的展覽，一個是董老師2007年的書法展，在誠品信義區，一個則是Love & Money - 英國當代創意商業設計展。其實都抱蠻大希望去的，希望有讓人為之驚嘆的創作，也希望藉此慰藉我乾渴已久的被工作榨乾的心靈。
本次董老師與幾位數位藝術家合作，將書法與數位藝術結合，也許是六樓書法本身的質感和力量更大，相對的藏於書店中的數位藝術作品，我並沒有特地去留意與觀看。
反倒是一張張超過人高的書法作品，喝成一氣時的氣勢，確實是不容小歔的。
尤其，董老師寫的字體，在紙上、在空氣之間自然流動，令人甚至忘了呼吸。
的確很震撼。
猶記得，那天，邀請董老師來我們展場場勘時，董老師已近60的人，說話卻聲如洪鐘，對於書法藝術也很有想法，當時的我，面對這位人人所謂的大師，也深深感到敬佩起來。這也許就是藝術家的氣度，在宇宙萬物之間，仍追尋自我一身的始志，是什麼樣的動力，讓他如此繼續、堅毅的努力下去?

看著董老師的字體，飛揚於展場之中，驀然間，我想，這就是藝術家的使命吧！

美術館是否該為兒童設立一個玩樂室?

轉貼
http://www.mobile01.com/topicdetail.php?f=37&t=392504&last=3517053

【展覽】我觀粉樂町_東區街道展

展期:2007.08.01-2007.09.02
展覽點：台北東區50處展點
策展人:胡朝聖
這是個有趣的藝術行動、藝術表演、藝術展示，以及藝術與商業的結合。藉由這樣的展覽形式與機制，將商業空間串聯在一起，也將藝術串起來。
但可惜了幾件事：
1.展覽與空間結合的優缺點：
我在裡面，看到了一則以喜、一則以憂的感觸。
喜的是，原來藝術也可以與商業空間這樣玩，藝術可以如此平民，但也如此世俗。有些作品格格不入，顯得很突兀，有些作品則太親民，感覺被周圍的空間吃掉了，很可惜。
我在東區搜尋作品的那一個下午，心裡七上八下，充滿感觸。

2.展期太短、宣傳手法過於粗糙：
若想用集滿章點的方法，來吸引更多的觀者，這想法固然不錯，但是背後的細膩操作手法，似乎沒有顧慮到，昨日在沿路上，看到許多為了蓋章而奔波的觀者們，可見，這樣的行銷構想是成功的，但是，我們都遇到了相同的問題，地圖上寫的畫的不清不楚，有些作品，難被找到，只要沒有找到一個，可能就沒有辦法完成集點之事了。
其次，展期太短，若想逛完所有的作品，似乎不太可能，建議若把部分作品放置一起，或者邀請藝術家們共同製作，也許來的有意義一些。

若從商業空間與藝術作品的結合的完美程度來看，介紹幾件本週末看到的作品：
(本周鎖定在B 區逛)

1.編號：B2(graniph)
作品名稱：The Follower追隨者
藝術家:Mella Jaarsma (荷蘭)
這件作品，與店內氣氛相得益彰，店內是由日本的品牌的T-shirt，與創作者的的圖案形象似乎很match，形式上來講是很成功的一件作品，也不會被吃掉。

2.B6(OISHI!)好吃音樂社
作品名稱：搖啊搖
藝術家:侯怡亭 Artist: Hou Yi-Ting
這間店隱身在街頭巷尾的地下室裡，賣的是希哈的流行服飾，由於店內都是放一些比較hitpop的作品，與侯怡亭這件螢光的錄像作品很合，影片中的小女生，彷彿就是聽到店內的音樂般，隨著身體，搖曳著。


3.B9(白烏鴉)
作品名稱：又寂寞又美好
藝術家: 幾米 Artist: Jimmy
其實幾米的作品，還是以插畫最好，雖然裝置成立體作品，但卻乏善可陳。不過，與店內喝成一氣的氣氛，倒是很難得而且很棒的。這間白烏鴉的店裡，給人很淡然卻優雅的設計作品，可以很舒服的在店內享受一下與室外截然不同的氣氛。


展覽網址：http://www.fubonart.org.tw/veryfunpark2/P2.htm

【展覽】我觀當代_V2特展

V2_特區動態媒體─行動，互動
展期：8/11~10/7/2007
策展人： 亞歷士．阿德理安善斯（Alex Adriaansens）

此次展覽由我崇拜已久的V2動態媒體藝術中心，與台北當代館合作，在當代展出為期兩個月的展覽。
更有深深的感慨，覺得為何外國人的作品感覺比較幽默，有趣，充滿詼諧。
介紹幾件讓我印象深刻的作品：
1.Exactitudes精準態度
-藝術家：Ari Versluis.Ellie uyttenbrdek.Netherlands (荷蘭)
簡單的攝影照片，卻詮釋著人與物，人與人之間的關係。雖然只是單純的拍攝人物的動作，表情，甚至他們的服裝，在自我表現與社會同化中，尋求著認同與特色。很有趣很直覺的一件作品。

2.Made in Taiwan 台灣製造
-藝術家：Staalplaat Soundsystem.Netherlands(荷蘭)
這件作品實在太詼諧有趣又充滿了創意。入口處，有一個手機號碼，只要你撥打手機號碼，就能讓展場內的各式各樣，重新組裝的類比產品(包含收音機、吸塵器等等)，使其演奏出一場專屬於您的音樂會。
但這樣的展覽形式有兩項建議如下：1.因應國情不同，大多數的台灣觀者，只會在展場裡看著這些裝置，而不知其所以然，其實在入口處，就有一個請你撥打手機的指示，只是或者這樣的互動，有一個平台的標準在，大部分的觀者沒有這樣的習慣與認知，所以不曉得可以啟動作品，也就沒版辦法知道作品的好玩之處。2.可以在入口處的導覽員，主動說明或者示範，這樣才能將這件作品的好玩之處放到極致。

我在展場內，玩弄這件作品玩的不亦樂乎，尤其當小朋友們進入展場，看到周圍的作品突然發出聲響，或者是藉由電風扇的聲響在另外啟動某件裝置的好奇表情時，我覺得，這件作品，真的太棒了!

3.Chinese Portraiture 中國人物畫
-藝術家:周弘湘(中國)
這件作品，很有趣，尤其在展場設置的角落空間配置上，使之更為之加分。當你遠遠看到時，只是會覺得一定又是一件液晶螢幕等等的作品。但當你走過去時，他會突然的互動，突然的有些舉動，雖然有些舉動很無俚頭，而且不夠深入，還沒有做很好的連結，但他，確實讓我露出意味迥長的微笑，我想，還是挺有趣的。

4.Logo.Hallucination 商標幻覺
-藝術家:Christophe Brund.France 克里斯多夫.布魯諾(法國)
商標幻覺這件作品，諷刺的是人為的logo的爭議點。很詼諧，值得好好想想!


展覽網址 http://www.mocataipei.org.tw/_Chinese/showweb/index.asp?ID=50

V2網址:http://www.v2.nl/